Entrevista a Miguel Ángel Cardenal López

Miguel Ángel Cardenal López es un joven artista extremeño que ofrece un trabajo lleno de detalles, color y guiños a obras de Felipe Pantone o Ai Weiwei.  Se define a sí mismo como un artista interdisciplinar, ya que trabaja desde el metal o la madera hasta la fotografía o arte digital. Centrado más que nada en el tema paisajístico, intenta llevarlo a “nuevas formas de percibir el paisaje y todo es debido a los cambios de percepción que vivimos actualmente”.

s/t. Spray sobre papel Caballo 109 A. 50x70cm. 2016.
s/t. Spray sobre papel Caballo 109 A. 50x70cm. 2016.

¿Cuándo y cómo nació tu interés por el arte?

Desde pequeño. A los 9 años mis padres me apuntaron a clases de dibujo y pintura porque veían que dibujaba bastante en casa y que era algo que me gustaba y comencé con el carboncillo y el óleo pintando paisajes, bodegones, retratos, etc. Pero sobre todo me gustaba crear desde la imaginación. También estuve unos años pintando grafiti y después comencé con la cámara de fotos. Siempre he tenido curiosidad por toda la creación en general.

¿Te consideras a ti mismo un artista? ¿Qué significa ser uno?

Por supuesto que me considero artista, pienso que para serlo primero hay que creérselo.

Ser uno de ellos… pues según desde que punto de vista se mire. Yo pienso que aquel que se haga preguntas y necesite mostrar a los espectadores sus cuestiones y debatirlas mediante su trabajo es artista. Otra cosa es que el mercado te considere artista o no, la decisión de ser artista y poder vivir del arte no solo depende de uno mismo.

¿Cómo describirías tu trabajo?

Es difícil esta pregunta. No sé, tan solo trabajo hasta estar satisfecho con la obra en general y con su acabado. Intento que los acabados sean pulcros y lo más cuidado posible. Al fin y al cabo todo esto habla de cómo eres en realidad y pienso que mis obras necesitan esos acabados porque ellas mismas lo exigen. Cuando puedo estar frente a la obra y no tener la necesidad de seguir trabajando con ella, es cuando pienso que ha llegado a su fin.

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s/t. Led de 14,4w sobre madera. 200x40cm. 2015.
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s/t. Spray sobre paño cerámico sobre cerámica sevillana en peana de madera. 2016.

¿Tu trabajo se basa más en temas actuales o en sensaciones/emociones?

Se basa más en temas actuales. A pesar de trabajar con el tema paisajístico o de contextos que parece un tema muy tradicional así de primeras, intento siempre llevarlo a nuevas formas de percibir el paisaje y todo es debido a los cambios de percepción que vivimos actualmente. Pero es difícil no transmitir sensaciones o emociones cuando al arte se refiere. Quiero decir, que a pesar de tratar un tema u otro lo más seguro es que el espectador sienta algo. Cada uno de ellos es un mundo diferente.

¿Qué herramientas sueles utilizar para trabajar? ¿Pruebas técnicas nuevas o apuestas más por lo que ya conoces?

Suelo trabajar absolutamente todo. Me defino como un artista interdisciplinar y cualquier técnica me atrae. Todos los materiales y todos los formatos llevados a tu lenguaje artístico son viables en mi modo de concebir el objeto artístico. En mis obras puedes ver plástico, led, metal, madera, fotografía, acrílico, spray, metacrilato, óleo, silicona, resina, arte digital…. Intento siempre investigar y amoldar el proyecto a los materiales que mejor definan sus características.

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“Montaña de silicona” Silicona sobre mesa de luz. 30x18x 12 cm. 2015.

¿Qué intentas decir con ‘No space’? ¿Y con ‘El Paisaje a través de la pantalla’?

“No Space” es una serie que comencé a finales de 2015 y que el título describe lo que ves. Mediante la fotografía y la creación digital busco espacios ficticios, es decir, “No Espacios”. Intento crear espacios no reales que inviten a la recreación del mismo y la participación de los espectadores. Para esta serie utilicé recursos muy habituales en mí trabajo como es la luz artificial, los espacios en blanco, el trampantojo o la simbología personal que habla de mi pasado y mi presente intentando describir un espacio que es mental y no real.

s/t. Fotografía y creación digital. 100x50cm. 2015.
s/t. Fotografía y creación digital. 100x50cm. 2015.

Con la serie “El Paisaje a través de la pantalla” buscaba algo similar. Ese conflicto entre lo real y lo ficticio. Trato de describir un nuevo paisaje y una nueva relación con el mismo a través de las imágenes que observamos día a día en nuestros dispositivos digitales. Como estas imágenes anulan la percepción corporal que ocasiona el estar presente ante un paisaje y que a su vez, crea otro tipo de vínculo. Por eso en esta serie sintetizo el paisaje a estructuras pixeladas y cuadriculadas como lo es una imagen fotográfica, y busco la interacción con el espectador en ese nuevo espacio.

“Los Alpinistas” Acrílico sobre 184 tacos de manera de pino. 200x90cm. 2016.
“Los Alpinistas” Acrílico sobre 184 tacos de manera de pino. 200x90cm. 2016.
s/t. Spray sobre papel Caballo 109 A. 50x70cm und. 2016.
s/t. Spray sobre papel Caballo 109 A. 50x70cm und. 2016.

¿Hay algún tipo de relación entre tus obras, o siempre nacen de conceptos e ideas diferentes? 

Siempre hay relación. Los temas con los que trabajo son la historia, el paisaje, el contexto o la identidad. Todo ello intentando darle una nueva relectura para mostrarlo bajo los nuevos modos de percibir que son originados por lo mediatizado, la publicidad, el consumo, el producto, los nuevos medios…

¿Cuáles son tus influencias? ¿Artistas favoritos?

Tengo muchísimos. Ahora cualquier artista puede influenciarte en tu trabajo. Siempre ando buscando artistas y obras por todos lados y más ahora con la facilidad de encontrar todo con un móvil en la mano. No podría decirte influencias, pero sí artistas favoritos. Me gusta mucho el trabajo de James Turrell, Dan Flavin, Felipe Pantone o Ai Weiwei.

s/t. Pintura en spray y acrílico sobre tabla. 100x70cm. 2016
s/t. Pintura en spray y acrílico sobre tabla. 100x70cm. 2016

¿Cuáles son tus aspiraciones a futuro?

¿Poder vivir del arte?

¿Por qué crees que el ámbito artístico está tan castigado actualmente, siendo uno de los pilares de la cultura?

Supongo que será porque está menos valorado. De todos modos también en estos años se ha resentido un poco con el tema de la crisis. Si no se vende no va bien, al fin y al cabo el arte también tiene su mercado. Aun así hace poco leí un artículo en el que decían que ahora los principales inversores del arte son gente joven con sus pequeñas compras y esto me alegra mucho. A ver si se puede despertar un arte asequible para más público y que esto fomente el crecimiento del mismo y la oportunidad a más gente que pretende tener un hueco en la actividad artística profesional.

 

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